Tatuaje Decolonial

Benvenuto Chavajay utiliza diferentes practicas performaticas, la marcación del cuerpo con un contexto tributo a la descolonializacion que maneja y el uso del tatuaje como medio para ritualizar las problemáticas en condición de identidad, cultura y diferentes lenguajes que permiten saltar desde el retorno de sus raíces ancestrales a los diferentes símbolos utilizados en occidente para resaltar su cultura. Las diferentes formas de agresión contra los pueblos indígenas y más aún el desconocimiento de los conocimientos tanto culturales, como de cosmogonía, y perspectiva de diferentes realidades; son temas recurrentes en sus investigaciones y sus prácticas artísticas.

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Es en este momento donde la descolonializacion del ser y el conocer cobra sentido,  ante los diferentes niveles violencia cultural se van creando resistencias, desobedeciendo los diferentes episodios de alienación. Ch’ab’aq’jaay es el apellido original de Benvenuto, una acción para reforzar su pasado y su identidad, en mi opinión utilizando un sistema de signos occidentales, como lo es el alfabeto, allí es donde radica el pensamiento decolonial, no solo apartando las características centroeuropeas, sino alimentándose de ellas, rediseñando y transformando, para potenciar la capacidad de rescatar las culturas opacadas que yacen en el olvido de un pensamiento totalmente occidental. El tatuaje se vuelve una herramienta para preservar el ser, el reconocerse dentro una sociedad oprimida elevando el sentido de identidad dentro de una comunidad amarrada a un pasado falso, revelando sus verdaderos conocimientos salvando el reflejo de seres distorsionados, mediante la colonización del lenguaje, la extinción de la lengua es fundamental para la colonización, y para la descolonializacion es vital el surgimiento de lenguas extintas usando como herramienta los medios tecnológicos y los diferentes cambios lingüísticos brindados por una mezcolanza global.

Mi interés por la forma en que se concibe el tatuaje me ha llevado a una exploración por las diferentes culturas que usan esta herramienta como medio para la ratificación de una identidad estética y psicológica.

 “…Así pues, la pintura tabular no sólo presenta una antología de las «técnicas de presentación», sino que también imita la atención distraída del consumidor-espectador deseoso. Desde este punto de vista, su inclusión pictórica de la fotografía, el relieve y el collage parece justificada, no regresiva; regresiva, digamos, en relación con el criterio trasgresor del Dadá…”   “…Reconoce que todas estas formas están ahora utilizadas en la imagen de un fetichismo general (de la mercancía, sexual y semiótico), y pasa a explotar este nuevo orden –un orden de apariencia así como de intercambio– y, al hacerlo, a veces también a analizarlo. La pintura permite la mezcla necesaria no sólo de detalles cargados y con anatomías combinadas, sino también la impulsividad óptica del sujeto con la pulidez erótica del objeto…”[1]

Este erotismo al cual se refiere Hal Foster, es la práctica de atraer mediante lo prohibido, lo censurado, lo tabú; concepción notable en la relación social con el tatuaje, además de las cargas semióticas que contiene, este acto de rebeldía por parte del “artista del tatuaje” y el sujeto que se tatúa, proporcionan un cambio dentro la representación de una palabra o una imagen que se vuelve transgresor a la sociedad. El artista sabe que está plasmando un acto de huella e identificación dentro de unos parámetros sociales los cuales no aceptan los sujetos identificados con estas marcas (tatuajes), y la persona que se tatúa como una persona que carga un mensaje o código y transita en círculos sociales donde lo pueden o no aceptar. Estos cambios dentro de las perspectivas populares y el masivo interés sobre los tatuajes como una forma de embellecimiento y memoria se han vuelto comunes, y aceptados, pero ¿cuáles de estas cicatrices llegan a  ser arte decolonial? Responder esta pregunta requiere de un análisis desde lo tradicional en el tatuaje (artesanal), y de los diferentes elementos interculturales que desarrollan un estilo plasmando una cicatriz en la cual produzca una reflexión o incógnita dentro de los elementos allí representados, formas y composiciones que establezcan un vínculo contextual configurado en el cuerpo humano.

Otro ejemplo para validar ciertas prácticas del tatuaje dentro de los procesos artísticos, es el tatuaje como símbolo de resistencia, de antipatía, e inconformismo con la sociedad, propuesto en los centros de trabajo rusos o también conocidos como Gulag’s; crean una serie de composiciones gráficas en los cuales hay iconos muy fuertes dentro de la cultura rusa, el uso de estos iconos son utilizados para salvar sus vidas, o demarcar un rango dentro de cierto tipo de círculos sociales. El uso del Pop como herramienta para difundir y recrear imágenes en la piel de otros carceleros, y actualmente utilizado bajo un estilo constructivista, pero adoptado dentro de otras culturas muy apáticas al comunismo, dejan claro el uso de estos lenguajes para la difusión de experimentos estilísticos inmerso en el tatuaje.

Es así como el tatuaje contemporáneo va adoptando formas, replicando imágenes pasadas para el desarrollo de las nuevas e interviniendo la sociedad con una identidad formada a partir de símbolos, signos y lenguajes que dialogan más allá de un producto, como un síntoma por la globalización de conceptos e imágenes, dado que las facilidad en la adquisición de información es muy rápida, acogiendo culturas, costumbres y todas formas de identificación social a través de tinta y  aguja. No trato de darle una validación en el campo del arte solo trato de hacer reflexiva la situación actual en la práctica del tatuaje, y como esta moda, que poco a poco se ha convertido en un algo más, puede llegar a ser una nueva experiencia, y formación permanente en los lenguajes sociales y culturales de un país tan alejado como es Colombia, donde hay una necesidad de compartir, aplicar las nuevas perspectivas y movimientos dentro de los campos artísticos; poniéndolos en un remolino de elementos lingüísticos que nos pertenecen pero a la vez no, que se han colado bajo diversos procesos históricos y adaptaciones en cuanto imagen forma y expresión. Elementos para reflexionar acerca de ¿cómo se está haciendo arte en este tiempo y lugar?, ¿cómo se está haciendo en otros lugares, y como pueden llegar a ser estas prácticas artísticas?

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El tatuaje decolonial se ha vuelto un modo de rebelión en contra de los conceptos instaurados, la liberación estética dentro de un cuerpo llega cambiar toda una generación, el imaginario de gente que no esté tatuada será escasa en un futuro, y con esto la personalización de la piel llega a crear todo un cambio de pensamiento, cambia los dogmas, cuenta historias personales a través de símbolos e iconos que reflejan ese paso entre el opresor y el oprimido, así como una comunidad homosexual se levanta, dentro de toda una estigmatización provocada por las industrias y el pensamiento centro USA-europeo, el tatuaje también tiene el poder de presentar cambios ideológicos, que nacen desde una estigmatización criminal, o la identidad de un pueblo aborigen, para reproducirse en el ser cotidiano, aquel que pasa con un mensaje que refleja su liberación ante un mundo totalmente abierto a nuevas posibilidades. Estamos saliendo de un mundo oscuro controlado por medios de comunicación masivos, el internet colabora en una nueva identidad, un nuevo ser liberado, aquel que tiene acceso al conocimiento, gratuito, intuitivo y rápido.

“…El gran problema radica en cómo podrán los oprimidos, como seres duales, inauténticos, que “alojan” al opresor en sí, participar de la elaboración de la pedagogía para su liberación. Sólo en la medida en que descubran que “alojan” al opresor podrán contribuir a la construcción de su pedagogía liberadora. Mientras vivan la dualidad en la cual ser es parecer y parecer es parecerse con el opresor, es imposible hacerlo. La pedagogía del oprimido, que no puede ser elaborada por los opresores, es un instrumento para este descubrimiento crítico: el de los oprimidos por sí mismos y el de los opresores por los oprimidos, como manifestación de la deshumanización.[2]

El cambio tecnológico en que vivimos desata la soga de la infamia educacional, y presenta en ocasiones alienación, pero posibilita el porcentaje de nuevas formas de expresión liberadas en un ámbito virtual.

“…En otras palabras, el grueso de los abordajes de la identidad en los discursos libertarios en filosofía y otros campos han descansado en el postulado de una alteridad fundacional y un sujeto trascendental que constituiría una alternativa radical en relación con un igualmente homogenizado Otro moderno/europeo/ norteamericano. Cualquiera sea la apelación a identidades indígenas, mestizas, católicas, primordialistas, antiimperialistas o vitalistas –en contraste a la identidad

blanca, protestante, instrumental, desencantada, individualista, patriarcal, etc., euro/ americana—, estas estrategias de alterización, en el análisis arqueológico de CastroGómez, están condenadas al fracaso…[3]

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Para corregir este error se debe reconocer las diferentes identidades históricas, culturales, de carácter parcial. Esta diferencia pos-ilustrada globalizada de la que habla Arturo Escobar, se apoya en el libre intercambio de conocimiento no impuesto, sino consumido dependiendo del filtro que se utilice, estos filtros que pueden ser parte de un control, o una liberación dentro de las relaciones de poder humanas, el internet ayuda y contribuye de una manera globalizada al reconocimiento de diferentes identidades alrededor del mundo visibilizándolas, y guardando información acerca de ellas, creando una memoria, de todo tipo, donde el buen buscador, filtrará la información valida y la errónea, alimentando a los procesos de conocimiento radicados en la web.

Los procesos latinoamericanos han estado en una continua búsqueda de sus orígenes, dado los episodios de resistencia históricos que se han presentado durante todo el siglo XX, además de la continua mezcla rechazando en ocasiones la frontera, ese concepto aparecido durante la modernidad, y confuso en momentos dada la extensión geográfica además de las percepciones originarias de la tierra; no como una propiedad sino más como una “bio-relación”. Estas percepciones latinoamericanas permiten la transformación de los espacios postcoloniales, al emergente pensamiento decolonial. Aquel que Benvenuto Chavajay rescata y afirma, tratando de corregir los errores que el hombre colonizador ha provocado, para sembrar, retornar y retoñar la identidad de los pueblos indígenas en Centroamérica.

“…Tenemos en Guatemala específicamente como que hay intelectuales también como que se están regresando. La descolonización en Guatemala es como que regresar a descubrir o jalar de lo de nosotros. El ejemplo de un matemático que escribió en su tesis doctoral la epistemología de la matemática maya. Yo cuando leí eso, y ese es mi amigo de años y cuando leí le dije “lo que estás haciendo es una descolonización”…”[4]

El regresar a sus orígenes como lo dice Benvenuto no me parece suficiente, creo en la hibridación, en el producto de un antes y un después teniendo claros que tipo de conocimientos se manejará, crear una burbuja de conocimiento donde se expone pero no se permite la interacción con el agente exterior  no es viable en un mundo donde la liberación del conocimiento se está instalando después de una serie de procesos tecnológicos e históricos, cerrarse a ese intercambio es el mismo error a vetarlo, para preservar hay que exponer (enseñar). Siento empatía por el regresar de Benvenuto como una forma de corregir el pasado histórico,  percibir ese tipo de conocimiento aprendiendo y utilizándolo, cambial las nociones de conocimiento y realidad que nos han impuesto tras una industrialización y colonización absoluta. Después de todo la historia es como un tatuaje, marcas que envejecen y se transforman respecto a las experiencias sucedidas por el individuo que los tiene, hacen parte de un lenguaje, de un entorno, nuca viéndolos como una moda, sino como la forma de contar los procesos personales, entrando en un cambio estético respecto a la mayoría, cambio generado por un pasado y un presente, nuevos lenguajes que interceden de manera ritual en la piel,  una decolonialización del ser y el conocer.

[1] FOSTER, Hal (2003), Acerca de la primera era del Pop Art, pp. 68-87, Madrid ediciones Akal.

[2] FREIRE, Paulo. [1970] 1987. “Justificativa da ‘pedagogía do oprimido’”. En: pedagogía do oprimido. pp. 16-32. Rio de Janeiro: Paz e Terra.

[3] ESCOBAR, Arturo. 2003.  “Mundos y conocimientos de otro modo”: el programa de investigación de modernidad/colonialidad Latinoamericano. Tabula Rasa. pp. 51-86.

[4] GODOY_ANATIVIA, Marcial, Desobediencia visual: Una entrevista con Benvenuto Chavajay y Kency Cornejo, Universidad de Nueva York, (http://hemisphericinstitute.org/hemi/en/emisferica-111-decolonial-gesture/cornejochavajay)

http://www.eternonomad.com/

 

FIN?

Como estudiantes de artes siempre estamos en un ataque y alienación permanente contra ese sistema cultural que se ha impuesto con respecto pasa el tiempo, el sistema cultural que se han inyectado en las políticas del desarrollo del pensamiento; la academia, el museo y la galería funcionan para alimentar los poderes que ya controlan la naturaleza como el mismo pensamiento. Podemos abrir nuestras redes sociales, y ver la cantidad de demandas que hay en contra de industrias que no paran de explotar los yacimientos minerales, así mismo se explotan los yacimientos intelectuales, pensadores dedican una vida de investigación hacia la construcción de teorías filosóficas, sociales y económicas, que al final han sido utilizados en los círculos artísticos para excusar una serie de objetos y ejercicios que no alimentan ni afectan en nada el desarrollo cultural de una comunidad, o al menos de una población ajena al arte con “A “mayuscula, es cierto que estas teorías se prueban con una serie de fenómenos que giran entorno al humano pero no mejoran su statu quo, solo lo explican.

La visita de Avelina Lesper a la FILBO da pie para pensar en estos aspectos que ahogan la posibilidad de desarrollar proyectos artísticos salidos de los entes de control culturales, estoy de acuerdo con algunos conceptos que Avelina critica, pero hay otros que me dejan pensando en la comprensión de las nuevas formas de sensibilización contemporáneas, y con contemporáneas no me refiero a un estilo, sino al momento histórico que atravesamos. Hay varios puntos que ataca Avelina, en sus entrevistas ofrecidas así como en su blog personal. Por un lado ataca la estructura económica de un mercado cultural, en el cual se desarrollan diferentes estrategias de inversión, la relación directa entre estado, academia, museo y galería; elaboran una red de intercambios estéticos que valoran el producto final del arte, y pone en el mapa diversos actores como son curadores, galeristas, y compradores, aquellos que transforman  el ejercicio plástico ya no un agente cultural, sino un producto mercantil. Esta cumbre absoluta del arte como elemento de valor es el resultado de una intensa industrialización de las diferentes formas de pensamiento, este triunfo absoluto del arte es contrapuesto con el fin de este, dada la cantidad de producción artística que se genera, hay un estancamiento debido al uso de teorías filosóficas para validar cualquier acto de expresión supuesta mente artística.

Avelina Lesper ataca los entes que se desarrollan debido a estas relaciones del arte, afirma que el arte debería ser una ciencia, la cual   debe ser cuantificada y calificada, debido a las diversas posibilidades de valoración de este, lo difícil, como ejemplo pone al cine, una expresión que se preocupa por la forma en que se construye, pasando por una preocupación de diversos elementos que hacen una buena obra cinematografica. Creo que esta propuesta es un poco desvariada pues el vídeo arte tiene un acercamiento a la cinematografía y es capaz de manejar los recursos y herramientas de composición, creo que Avelina no logra identificar los procesos de creación dentro del arte contemporáneo y los califica de facilitas, dado los procesos de transformación industrial, la importancia de las diferentes maneras de producción artística han creado una caótica pero bienaventurada exploración de las capacidades estéticas que transmutan de manera generacional, por ello el hecho de que el artista ya no sea el escultor, el pintor, y dibujante, es un síntoma de que las formas de expresión cambian, y un buen programador puede llevar los lenguajes de su oficio a una construcción cultural entendida por una población.

Este articulo trata de entender las diferentes problemáticas que han aparecido debido a este desborde de producción, comercialización, y circulación. Avelina solo es otro ente critico, que crea mas confusión que camino.

“Ustedes recuerdan cómo procede Platón con los poetas en el proyecto de su Estado. Les prohíbe permanecer en él, en interés de la comunidad. Platón tenía un concepto elevado del poder de la poesía. Pero la consideraba dañina, superflua: en una comunidad perfecta, se entiende. Desde entonces, la cuestión acerca del derecho de existencia del poeta 1 no ha sido planteada frecuentemente con igual énfasis. Ahora vuelve a plantearse, aunque sólo rara vez en esa forma. Y a todos nos es más o menos conocida como cuestión acerca de la autonomía del poeta: de su libertad para escribir lo que quiera. Ustedes no se sienten inclinados a reconocerle esta autonomía; piensan que la situación social presente le fuerza a decidir al servicio de quien quiere poner su actividad. El escritor burgués de literatura para el entretenimiento no reconoce esta alternativa. Ustedes le comprueban que, aunque no lo acepte, trabaja al servicio de determinados intereses de clase. Un tipo más avanzado de escritor reconoce esta alternativa. Al ponerse de parte de proletariado, toma su decisión con base en la lucha de clases. Y se acaba entonces su autonomía. Su actividad se orienta por aquello que es útil 1 Dichter . Significa, en general: “creador literario” al proletariado en la lucha de clases. Como suele decirse, se vuelve un escritor de tendencia. “

 WALTER BENJAMIN “EL AUTOR COMO PRODUCTOR”

Considero que la producción en un mercado de arte se mueve con las dinámicas emitidas por Walter Benjamin, la difusión de lo que se cataloga como arte esta polarizado por las diferentes clases, teniendo en cuenta el valor de venta de una obra, es necesario preguntarse por su entorno y a quien va dirigida, este movimiento demográfico y territorial marca las formas de mercadeo ademas de la idea de arte con A mayúscula, aquella idea que plasma las bases de articulación cultural, hay que entender que la industrialización y las tecnologías han logrado que las maneras tradicionales de expresión plástica se hallan expandido, buscando diferentes maneras de producir conocimiento, ademas de revelar nuevas perspectivas de estética, una practica la cual corrobora los diferentes estados mentales que hay en ciertas poblaciones en las que se ha generado un “estado de excepción”; transforman sus reglas y lenguajes culturales así como expresiones artísticas, se autorregulan y crean sus propias fronteras re diseñando diferentes formas (brindando nuevas lecturas). Estos cambios generacionales se manifiestan en los recursos utilizados y en las problemáticas que surgen desde los diferentes conflictos de clases, cada vez con mayor distancia entre la baja y la alta, casi exterminando la clase media, estos problemas se ven reflejados en la producción cultural llevando a una sobre saturación de objetos artísticos preocupados por adquirir un valor comercial mas allá del nivel intelectual.

Yo se que es pretencioso saber cuando es rico intelectualmente, o al menos adquirir un valor estético en el cual el texto curatorial, no sea la explicación de la obra, sino que esta se explique por si misma. Aquel objeto o practica artística que lleve  a una sensibilización de la realidad y que se haga a temporal; para que deje de evidencias en una futura respuesta cultural.

Avelina se equivoca en su concepción de las maneras de representación, ella es la mas consciente de las maneras en que cambia el mundo y aun se sigue dirigiendo al arte como arte moderno separando el arte contemporáneo con nuestro presente y volviéndolo solo un estilo, las diferentes formas de incluir materiales y formas de reproducción contemporáneas han llevado a esta crisis de representación, de producción en masa y de deslegimitación; las cuales adquieren un valor elevado muy encima del valor de trabajo así como de su materia prima. Pero eso no comprueba de ninguna manera que el arte puedas ser producido con maneras contemporáneas  industriales, donde le humano plante la idea para ser construida por maquinas que en realidad facilitan un tiempo enorme en al capacidad de producción en la pieza o ejercicio artístico.

Estoy de acuerdo con la trascendencia de la practica artística, aquella que es capaz de reflejar con su maestría  (capacidad de elaboración, o trabajo invertido), una capacidad para reflejar las problemáticas sociales de su tiempo, pero hay un problema entre el discurso en el sistema, por un lado hay intereses dentro de las expectativas del mercado, y el entendimiento estético contemporáneo.

Registro Íntimo

La fotografía como herramienta conceptual contemporánea permite explorar las convenciones establecidas, aquella herramienta nos da paso para exteriorizar lo intimo; visto como una abstracción que surge de nuestro contexto personal, estas ideas que se vuelven mar y tierra en nuestro actuar. Wofgang Tillmans nos ofrece imágenes que permiten pensar mas allá del registro, involucrando el concepto del material, la imagen, y los procesos en los cuales se enlazan, la tensión entre el retrato de algo que no quiere ser mostrado, y cómo mostrarlo de manera no figurativa, creo que eso es lo que me atrae del trabajo de Tillmans, podemos ver desde lo abstracto; el proceso de estudio en cuanto al material, las reflexiones sobre la impresión de la luz sobre una superficie, y pasar al archivo y lo figurativo; cómo los objetos marcan un concepto entre los diferentes personajes que aparecen en sus fotografías, casi siempre jóvenes raves producto de un cambio cultural en la Europa de los noventas.

El entender el mundo de una manera en la cual la fotografía casual se vuelve una herramienta para sentir y percibir las historias personales, abstrayendo la imagen de manera que otro individuo pueda entenderlas y sentir este mismo espíritu underground, de juventud perdida, el cual ya no cree en la prosperidad, sino en en viajar y vivir.  contadas con cámaras de plástico, con rollos pequeños de fácil acceso, baratos y la foto casual rápida, esa foto no pensada en su estructura sino mas efímera y espontánea.

“LIVE YOUNG, DIE FAST”

La Experimentación libre es esencial en los trabajos  de Wolfgang Tillmans, es necesario rebelarse contra los establecimientos propuestos para hallar nuevas formas de percepción de imagen, así como de registro. Marca un comienzo en las nuevas formas de registro reinventadas por el proceso tecnológico de la fotografía, hoy en día podemos ver los “selfies” como un producto de esas nuevas formas de percibir imágenes, Tillmans hace lo mismo con sus rollos kodak y la fotografía instantánea. en los 2000 se hace mas evidente su trabajo abstracto doblando papeles y velándolos para conseguir diversos tonos de color, reflexionando sobre el material, la luz, el trabajo en el taller y el desarrollo de ideas a partir de objetos.

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Fotos de Wolfgang Tillman

El desarrollo de este escrito investigativo acerca de los procesos culturales y artísticos que desembocaron en la segunda mitad del siglo XX trata de describir estos cambios que resultan ser una introducción a nuestro tiempo y espacio. Mas allá de la obra de Wolfang Tillmans, trato de reflexionar como en los artículos anteriores, la presencia de ideas y conceptos que permanecen rondando en nuestra cotidianidad, que permiten un entendimiento de las cosas como lo son ahora, no hace 10, ni 20, ni 30 años… en este presente que cada vez esta mas conflictivo, avanzando velozmente donde la mayoría de imágenes quedan consumidas por la Internet.

La experimentación de Tillmans va mas allá de la propuesta fotográfica, ya que en sus montajes siempre pretende la exploración de medios para transmitir el desarrollo de ideas y temas, en los cuales el material transfiere ese mismo estado de obra en proceso: cintas, alfileres, cajas acrílicas, y papel fotográfico de gran formato instalado sin marco, es elocuente con la forma de trabajo, una colección de archivos y clasificación que parten en un recorrido mental para y por la imagen.

La primera vez que fui era un poco confusa la exposición de Tillmans en el museo del banco de la república, debido a que aparecían fotografías de papeles velados instalados con chinches y ganchos, un papel de color verde y otro naranja predominaban en la primera parte, después el cambio era progresivo ya que aparecían fotos de objetos, y luego las fotos figurativas predominaban, al lado de mesas llenas de archivos de periódico, negativos, pruebas fotográficas, y alguno que otro objeto. en mi segunda visita, ya que no había entendido bien la obra, me propuse a detallar ordenadamente las fotos, y en este caso ya cuando se pasa de lo figurativo a lo abstracto desarrolla de una manera muy inteligente el retrato de su trabajo tras dos décadas en las cuales se muestra el propósito de este; la exploración en todos sus sentidos, una exploración fotográfica, de la imagen, del desarrollo de la misma investigación y los temas que permiten aquella exploración técnica, temática, y compositiva.

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Fotos de Wolfgang Tillman

Los temas de sexualidad, los raves, los objetos que interactuán y hacen parte de una persona, son ejes temáticos esenciales de la fotografía moderna, debido a que la intimidad como aquel secreto que nunca va  a ser expuesto, ahora es una forma de entender las masas, un atractivo en el descubrimiento la cultura hoy como la conocemos, los medios proponen cada vez mas la expresión de nuestros sentir introspectivo, registrando en diferentes fotos, archivos, y paginas; cada una con un enfoque diferente de nuestra personalidad, allí es donde recae el registro de lo intimo como un acontecimiento social que se formo en menos de dos décadas, si bien facebook, es la historia de nuestra vida, nuestra cara reflejada en una nube de información, ya seamos nosotros, o la proyección de nuestros alter egos, la recolección de imágenes permiten evidenciar los gustos, las tristezas, emociones y sensibilidades de un contexto especifico.

La intimidad es la nueva forma de entender la mente de los individuos, ya bien se plantee desde una construcción del sistema que hace a una sociedad, y de una construcción personal que crea una global,  brinda el juego entre la influencia y el re diseño que se hace desde la mirada colectiva o personal, permite la creación de imágenes, que representan estos vínculos; una relación de poderes, de lenguajes y de entes. Es todo esto lo que me satisface de la relación entre el trabajo del Tillmans, una liberación de la exploración fotográfica, y los diferentes cambios evidenciados durante la época de los noventas y dos mil, un cambio sin espera, una modificación tras otra que permite el des entendimiento generacional de los niños de hoy contra los recién adultos, y sobretodo ante mi generación.

Podrán las generaciones futuras entender mi contexto ademas de la forma en que mi generación percibe el mundo? Aquella preocupación por el archivo y la memoria, de la cual esta resumida en trillones de bytes, que rondan y se pueden explorar en un móvil, hago un recuento de fotos tomadas después de mi visita en el 2012 a la exposición “Las constelaciones fotográficas de Wolfgang Tillmans”, realizada en el Museo del Banco de la República. Aquellas fotos que están un poco influenciadas en la experimentación de la foto, y el registro como algo intimo que relaciona personas, las vincula y hacen un microcosmos lleno de ideas.

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Fotos de Klaus Guzmán

“…Esa es la única manera en que puedo asegurar que la gente seguirá confiando en mi trabajo. Así que nunca se verá una manipulación discreta y nunca voy a quitar una rama de un árbol para que se vea mejor. Estamos hablando sobre la realidad de la manipulación digital. Estas manipulaciones toscas que he hecho en dos imágenes son más un ejemplo de cómo tratarlas. Es casi una crítica, pero de manera divertida.” 

Entrevista de Julia Peyton-Jones y Hans Ulrich Obrist con Wolfgang Tillmans

Estoy de acuerdo con la intervención de imágenes de manera instalativa, obteniendo una interacción entre el material la imagen y los signos inscritos en la fotografía, ademas de un recorrido diferente de la imagen, acercando un grupo de signos (fotos) para plasmar el concepto expuesto en ellas. Por su puesto no soy fotógrafo, soy mas un aficionado al video, pero la prueba de las reflexiones contemporáneas ante los diferentes cambios estéticos son evidentes, lo que una vez parecían simples chicos pasándola, ahora es un retrato contado de una manera instintiva, y un poco mas abstracta  pero con unas nociones en cuanto a la forma en que se toma la fotografía a través de la tecnología, y los diferentes cambios culturales plasmados en una generación.

 

BIBLIOGRAFIA:

-http://www.banrepcultural.org/wolfgang-tillmans/entrevista

-http://www.banrepcultural.org/prensa/boletin-de-prensa/las-constelaciones-fotogr-ficas-de-wolfgang-tillmans

-http://www.banrepcultural.org/sites/default/files/guiadeestudio_tillmans.pdf

 

 

Seppuku (corte del vientre)

La habilidad de todo ser humano prima mas en la destrucción que  la construcción, teniendo en cuenta que la mayoría de objetos que permiten ser una herramienta para la mediación entre el mundo y el ser humano ya están construidos por fabricas, así los humanos comienzan el uso de tales herramientas, generando un desgaste una deconstrucción.

Con este sencillo ejemplo radica el hecho que la especie humana tiene un propósito de desgaste, tanto material como intelectual; ese desgaste pasa  a una deconstrucción de medios, tanto formales como lingüísticos, la transformación de una idea en ocasiones conlleva a una simplificación de está, traduciéndola  con elementos mas simples y mínimos. Jaques Derrida nos plantea la deconstrucción del lenguaje, de allí parte para una deconstrucción global basado en en un objetualización de los conceptos; el estudio de la estructura que los constituye. Esta estructura se plantea en el campo del arte con el surgimiento de las vanguardias, pero mas allá de ellas en el cambio conceptual del mundo moderno y postmoderno; Los conceptos como materia prima del hombre para desarrollar un entendimiento del mundo que lo rodea plasticamente, comienza con un cambio interdiciplinario de las nuevas propuestas sociológicas y lingüísticas, aquellas que desarrollaran procesos de conocimiento durante la ultima mitad del siglo XX.

Gordon Matta-Clark, es un producto de estos procesos conceptuales que llacen entre el objeto y el concepto que hay detrás de este.

“AN ARK KIT PUNCTURE, ANARCHY TORTURE, AN ARCTIC LECTURE, AN ORCHID TEXTURE, AN ART COLLECTOR…”

La deconstrucción del lenguaje esta cotidianamente ligado a los procesos sociales, en la publicidad, y la forma en que palabras transformadas con un fin especifico adquieren un poder, desempeñando relaciones sociales, políticas, y económicas. Matta-Clark en su trabajo de recortes en espacios arquitectónicos (espacios que se planean demoler). Rompe con los esquemas de arquitectura, la base para la construcción de una organización social, desde afuera como adentro, comunica lo exterior con lo interior, utilizando un lenguaje muy simple; un corte recto que divide una casa, o un circulo que traspasa lineal mente varias paredes ejerciendo una grieta, aquella grieta que vincula lo personal con lo general, traspasa las fronteras del un espacio y modifica la arquitectura que dicta parámetros sociales.

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“Conical Intersect”, Gordon Matta-Clark, 1975
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“Splitting”, Gordon Matta-Clark, 1974

 

Creo que este tipo de deconstrucciones arquitectónicas nos hacen meditar en lo que el ser humano es capaz, como el sustraer partes geométricas de un espacio incide en el pensamiento y mas en las sensaciones del que habita, o el que transita. Normalmente se pensaría que construir lleva mas tiempo, pero tampoco se piensa en que inmediatamente terminado de construir un objeto entra en descomposición, muere relativamente en el tiempo, adquiriendo formas mas sencillas, pero también complejas. Aquella casa abandona a punto de ser destruida al momento de quedar en el suelo, adquiere otras dimensiones y volúmenes, ladrillos tumbados, tablones retorcidos, y polvo regado en un suelo que ya no esta delimitado…. sencillamente complejo.

El manejo que el humano tiene sobre los espacios físicos de la tierra, ¿son construcción? creo que NO, creo que el humano tiende a destruir todo aquello que le sirve, que le interesa, o simplemente descarta,  creo en una inmolación lenta del ser humano, ¿por qué no acelerarla? No se si a Gordon Matta-Clark se le atravesó esto por la cabeza al momento de morir de cáncer. Pensar que la deconstrucción de un lenguaje ya sea plástico, lingüístico, o arquitectónico, tiene una serie de incidencias sobre el humano así mismo como las mima deconstrucción de este. ¿Como deconstruir a un hombre, partiendo desde su intelecto hasta estructura física?

Para Matta-Clark el aburguesamiento de un territorio es un acto de desplazamiento de población y cultura, así que la existencia de un anti-monumento es una manera de protestar pero también para cambiar y intervenir la cultura dentro de un entorno, cambiando el culto por un anti-culto, una prepucio por ciertos “adonis” arquitectónicos,  un reflejo de la construcción cívica que tiene un territorio y como este va perdiendo su estatus de culto, el humano lo acepta pero de manera obligada, no plácidamente, sino impuesta por una serie de parámetros políticos y económicos, los cuales arremeten contra la identidad y la memoria de cierta población, he allí el presagio de la deconstrucción humana.

Un suicidio de los establecimientos sociales impuestos de manera organizada, honorable, seria una buena forma de lidiar con las problemáticas y crisis generadas a partir de los errores edificados alrededor de una idea de progreso, futuro, presente y pasado, auto destruir es la solución fatal, pero verídica de una sociedad, ya ha pasado, ciudades devastadas, destruidas por la mano del hombre, vidas expresadas en sombras de terror, una aniquilación del pensamiento humano, un seteo de la percepción humana. Una autodestrucción que no califica dentro de los valores morales y éticos, un nuevo comenzar, a partir de los errores, para no olvidar, para crear memoria en el nuevo parámetro, donde se construyo algo bien edificado pero que se desgasto, aquel que consumió el concepto de hombre.

En este momento solo se me ocurre Hakim Bay para plasmar lo que significa la deconstrucción del ser humano, no la del lenguaje sino del caos referido al entorno ontológico:

“El espejo de la Utopía nos proporciona una especie de teoría critica que ninguna mera política práctica ni filosofía sistemática pueden esperar desarrollar. Pero no tenemos tiempo para una teoría que meramente se limita a la con-templación de la utopía como un “lugar sin-lugar” mientras lamenta la “imposibilidad del deseo”.    INMEDIATISMO:Radio Sermonettes x Hakim Bey

La intervención de un lugar constantemente se ve afligido por un desorden en el cual pasan diversos episodios de caos, ese que permite la resolución de ordenes, comienza con una lógica que permite mediar entre la configuración espacial de los conceptos realizados; una escultura juega con esos dos recursos, entre la arquitectura (la no arquitectura), y el paisaje (el no paisaje). Con esta base, podemos estudiar la obra de Matta-Clark como un orden dispuesto a través de las diferentes formas en que media con una problemática social, como es la construcción de nuevos edificios que plantearán el progreso en medio de un lugar considerado abandonado, pero donde media un conjunto de seres los cuales son desplazados a otros territorios creando un conflicto entre el viejo paisaje y el nuevo, ademas de la vieja estructura y la nueva. Matta-Clark rompe literalmente y crea falsos ídolos, sintetizando la idea de edificios deconstruidos gracias al juego entre tiempo y humano.

Para deconstruir un concepto se trata de ver el orden y la estructura de este planteando romper la estructura reorganizandola de tal manera que proyecte un nuevo código, pero si se quiere destruir el concepto es necesario aislarlo de tal manera que genere nuevos planteamientos totalmente en contra del mismo, planteamientos que se generarán a partir de la desaparición de este. Un cambio radical y contundente un “inmediatismo”:

“Hasta ahora hemos tratado el Inmediatismo como un movimiento estético más que como uno político; pero si lo “personal es político” entonces ciertamente lo estético debe ser considerado aún más así. No puede decirse que “el arte por el arte” exista, a menos que se entienda que esto implica que el arte per se funciona como un poder político, esto es, un poder capaz de expresar o incluso cambiar el mundo en vez de meramente describirlo.” 

 INMEDIATISMO:Radio Sermonettes x Hakim Bey

Marcas Cotidianas

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Día 1.

Durante la hipótesis de hallar un rumbo del tatuaje, como síntoma social, mas allá de la moda, mi obligación es observar, y ya que desafortunadamente no se puede sacar una buena cámara, tras la inseguridad que sufre la ciudad, la única opción es  recordar los diversos tatuajes que se atraviesan  cotidianamente, todo esto pensándolo mientras desayudo, listo para presentarme en la universidad, con trabajos, y cosas por hacer como descubrir nuevos artistas musicales dependiendo del ánimo que tenga ya sea blues, soul, disco, punk, power violence, rap,  etc… música para comenzar un mal o buen día, mi preocupación por la universidad es la misma que tengo por alimentar mi proceso e ideas, ideas que tal vez no sean del todo mías, pero si tienen un destilamiento de información. Salgo pago el trasmilenio, y de entrada me atravieso con un sin numero de tatuajes mal hechos, de esos que tienen relieve, grises de tonos azulados o verdosos dependiendo de la piel, moreno, blanco o negro. Creo que la diversidad de tatuajes es directamente proporcional con la diversidad de razas lo cual es exquisito, si bien les gusta los malos tatuajes como a mi, nombres, símbolos, y personajes populares de series de televisión, son bien marcados por una linea inestable, algunos hechos punto por punto, y otros desarrollados a través de una técnica hechiza que supera las expectativas. De este modo comienzo mi estudio, una observación en medio de los barandales,  los brazos descubiertos por quienes les gusta mostrar ademas de pechos robustos y espaldas escotadas; mujeres que muestran su pasado adornado por rosas, pájaros, símbolos que signifiquen algo importante dentro de su vida, sabiendo que esta es efímera concibiendo que la materialidad del cuerpo como un espacio para contar su vida o ideas. Llego a la universidad y hay tatuajes un poco mas elaborados aunque el hecho de que sea una universidad publica  refleja que los tatuajes baratos o gratuitos son mas que los pagados en estudios o por tatuadores que llevan tiempo en la industria, entonces veo estrellas, “chés”, y alguno que otro tatuaje realizado con buena técnica, y mas allá del símbolo o la forma que se tatúen… veo que hay una creciente en la realización del tatuaje, ya no tiene una mala aceptación y por el contrario así sea un tatuaje hechizo, hay un aprecio de este dentro de los que lo rodean, observan y opinan.

Día 2.

En una visita trasnochada y llena de licor, la pareja sentimental de Gabriela, una amiga, desata una charla sobre arte; con unas convicciones fuertes políticamente y en una atmósfera totalmente relajada aunque con cierto cuidado al hablar del arte, osea sobre toda opinión acerca de una expresión contemporánea, esas expresiones que hoy en día son una problemática estudiada por los comportamientos de este en la sociedad. por cuestiones aleatorias y ya entrados en tragos me preguntan por mis tatuajes, y los muestro explicando el sentido de cada uno, de la forma en que he cambiado este significado por el rito y la compleja relación de estos dentro de una cultura. Al explicar esto Gbriela exclama – “miamor, muestra tus tatuajes” –  por lo cual su pareja apenadamente pero ya entrando en gastos decide mostrarlos. – “Vea”- muestra su pecho con un capitán américa totalmente cubierto de rojo, ademas de una linea gruesa pareja y vertiginosamente dibujada sobre su piel, aquella de un niño chiquito el cual dibuja sin preocupación, unas palabras debajo del morraco las cuales no entiendo parecen una firma. Yo me sorprendo al ver semejante tatuaje, el cual ocupa desde la parte media de su pecho hasta debajo del ombligo, pienso, y le digo – ” esto es!” – mi investigación y los tres puntos en los cuales me había enfatizado cobran sentido al ver este tatuaje, luego muestra sus otros tres tatuajes, un numero en su brazo desgastado, y otros dos mal hechos en su otro brazo..  un símbolo circular en su muñeca y otro sello de kinder ” CH de Choza, y Chivo” primero iba la che afuera un chivo y rodeando estos dos una choza, los  tres sellos de la cárcel picota. Al parecer el significado de estos tatuajes iban mas allá de la persona, reflejando varias condiciones sociales y atemporales, el capitán américa era su primer dibujo y los sellos fueron parte de una visita a un familiar durante su condena.

 Día 3.

Amanezco en la casa donde tomamos, y con el mismo sujeto el cual no tenia cara de tener tatuajes, pero que me sorprendió con estos 4 maravillosos tatuajes me da una lección de vídeo arte en Colombia pronosticando a José Alejandro Restrepo  como el artista mas prominente de las ultimas décadas. Salgo para mi casa con muchas cosas por pensar y por sintetizar, este tatuaje mal hecho en el pecho puede asemejarse  a las nuevas tendencias del tatuaje en el extranjero, comenzando por Nueva York como ejemplo básico de la circulación del arte con el tatuaje, ingresando a un mercado y utilizando los conceptos mas profundos del tatuaje para ingresarlo con diferentes formas instalativas y conceptuales. ademas de un cambio en los elementos tradicionales del tatuaje, ingresando signos y lenguajes contemporáneos dentro del dibujo en la piel.

Día 4.

Trato de teorizar:

  1. El carácter simbólico conlleva al mito, las personas mitifican los trazos realizados para la piel, construyendo un vínculo entre el signo, la persona y su temporalidad, perdurando esta idea intangible dentro de lo corporal y físico. En ocasiones esta marca representa una aceptación dentro de un grupo social que presenta cultura y tradición, así como el mismo sacrificio que se hace, entregando el cuerpo a un dolor como medio de vinculación entre el cuerpo y la mente.
  2. En la psiquis persiste la idealización del cuerpo, el cuerpo concebido como un espacio somático, el cual tiene una inmaterialidad. La proyección de estos elementos dibujados sobre la piel permite una gama de fantasías, afectos o situaciones conflictivas fundamentadas en el inconsciente. También evoluciona como una defensa del “uniformismo”, aquella marca que permite crear una identidad individual, y única. Llegando preservar la memoria de algún evento o historia inscrita en la vida de una persona, el dolor es parte de esta inscripción permitiendo sacar el dolor mental, ubicándolo en un sitio puntual, además de un dolor físico menos intenso que el mental. El tatuaje sería:

“…una manera de inscripción intermedia entre la huella del objeto perdido y la presencia real del objeto, presencia garantizada por el uso de la piel…”

         3. En cuestiones populares el tatuaje podría llegar alejarse del signo              como parte de una construcción estética, que solo deslumbra en las                formas y en un boom social.

“…Así pues, la pintura tabular no sólo presenta una antología de las «técnicas de presentación», sino que también imita la atención distraída del consumidor- espectador deseoso. Desde este punto de vista, su inclusión pictórica de la fotografía, el relieve y el collage parece justificada, no regresiva; regresiva, digamos, en relación con el criterio trasgresor del Dadá…” “…Reconoce que todas estas formas están ahora utilizadas en la imagen de un fetichismo general (de la mercancía, sexual y semiótico), y pasa a explotar este nuevo orden –un orden de apariencia así como de intercambio– y, al hacerlo, a veces también a analizarlo. La pintura permite la mezcla necesaria no sólo de detalles cargados y con anatomías combinadas, sino también la impulsividad óptica del sujeto con la pulidez erótica del objeto…” 

Este erotismo al cual se refiere Hal Foster, es la práctica de atraer mediante lo prohibido, lo censurado, lo tabú; concepción notable en la relación social con el tatuaje, además de las cargas semióticas que contiene, este acto de rebeldía por parte del “artista del tatuaje” y el sujeto que se tatúa, proporcionan un cambio dentro la representación de una palabra o una imagen que se vuelve transgresor a la sociedad. El artista sabe que está plasmando un acto de huella e identificación dentro de unos parámetros sociales los cuales no aceptan los sujetos identificados con estas marcas (tatuajes), y la persona que se tatúa como una persona que carga un mensaje o código y transita en círculos sociales donde lo pueden o no aceptar. Estos cambios dentro de las perspectivas populares y el masivo interés sobre los tatuajes como una forma de embellecimiento y memoria se han vuelto comunes, y aceptados, pero ¿cuáles de estas cicatrices llegan a ser arte o no? Responder esta pregunta requiere de un análisis desde lo tradicional en el tatuaje (artesanal), y de los diferentes elementos interculturales que desarrollan un estilo plasmando una cicatriz en la cual produzca una reflexión o incógnita dentro de los elementos allí representados, formas y composiciones que establezcan un vínculo contextual configurado en el cuerpo humano.

– Guerra; Víctor (2006). Subjetivación en la adolescencia y cambios culturales: ¿nuevas formas de inscripción? Revista Uruguaya de Psicoanálisis, numero 102,pp 41-60

– Foster, Hal, “Acerca de la primera era del pop art POP ART”

– Reisfeld; Silvia (2005). Tatuajes: una mirada psicoanalítica. Buenos Aires: Amorrortu.

 Día 5.

Mi interés por la manera en que el rito ha cambiado de tiempo, adoptando esto en una mezcolanza de lenguajes e identidades afiliados a la expresión humana, dan sentado el foco en el cual puedo trabajar e indagar, por los “nuevos” o mejor dicho por las variables aun no exploradas en el campo del tatuaje, aquellas que en los noventas explotaron como una exageración de formas e iconos, hoy en día el minimalismo y las piezas cada vez mas grandes, así como la necesidad de entablar lo gráfico con lo espiritual prima en los nuevos catálogos en Europa, y Norte América.  Dadas las circunstancias globales, tanto Europa como Norte América tienen un flujo cultural mas variado y por ende una simbiosis entre diferentes lenguajes tradiciones y grafismos.

Comienzo a ver una cierta importancia en lo criminal, dada la experiencia en el día 2; esto me ayuda a entender la trascendencia del tatuaje como un síntoma social, pues pasa de ser una simple moda, una personalización del sujeto para adornarlo y volverlo bonito, a un conjunto de signos y transformación corporal el cual establece el significado de individuo, partiendo de un código grabado en la piel, aquel que refleja problemáticas de su cultura, tiempo y territorio. Así como lo hace un libro infantil cuenta una serie de establecimientos sociales de una manera sencilla y objetiva, los tatuajes narran los patrones que rigen la sociedad, aquellos tatuajes que nacen del alejamiento social, y la reclusión.

Día 6.

Comienzo a acercarme con dibujos los cuales puedan representar esta cantidad de problemáticas y estas visiones del mundo del tatuaje contemporáneo, trato de integrar lo que individuo, reclusión y rito significan. tratando de sintetizar estos elementos y volverlos en si un grafismo, un poco complicado de establecer la verdad. Pienso en las armas utilizadas dentro de los crímenes cometidos por diferentes personajes y las herramientas de trabajo de estas personas que intentan avanzar económicamente a través de la violencia y la violación del sistema legal y social. Entonces tomo como referentes diversos artistas que podrían ayudarme a crear un diseño el cual sea consciente de la investigación realizada.

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-primer boceto:

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Día 7.

Pienso próximamente en tatuar partiendo desde este estudio, un acercamiento a la criminalidad desde el dibujo incrustado en la piel, una cicatriz llena de intercambios éticos, morales, e institucionales, los cuales posibilitan la llegada de un tatuaje contemporáneo nacido desde la prisión y no desde los elementos populares que se nos acercan mediante la circulación de imágenes en las redes sociales, creo que el nacimiento de imágenes es vital partiendo de las publicaciones que se realizan dado que la manera mas análoga de percibir una imagen es en el papel, y la importancia en la percepción de una imagen plasmada en la piel es vital respecto al diseño y la aplicación en este, puede que halla un tatuaje hechizo, pero si la composición es buena, creara un relato y se entenderá mas el lenguaje de este.

Día 8.

Aún no he encontrado el dibujo tal que exprese lo que pienso, y siento que es una búsqueda difícil por que dada las condiciones de circulación mi cabeza esta contaminada con muchas cosas que hacen parte de un mercado del tatuaje pero no llegan si quiera a reflexionar en el, pocos lo hacen y son grandes, y mi intento de no parecer como ellos es bastante conflictiva

Día 9.

Otra vez otro amanecer, lleno de vueltas y complicaciones banales, que el pasaje, que no pasa el bus, el trabajo escrito para la universidad, la plata que hay que conseguir para los materiales y entregas, y en medio una frustración por creer que esta costumbre diaria  se vuelva un rito, aquel rito que nos une a cada uno, y que los tatuajes que he visto sean un producto de el, me niego a creer esto, creo que hay un ser individual y libre en el momento que se marca la piel, creo en una estética propia transgredida por las influencias europeas pero que adopta un nuevo comportamiento tras ser sometida a esta ciudad ruidosa sumergida en caos.

Día 10.

Nada que sale el maldito diseño. (dibujo base para el tatuaje)

Día 11.

Encuentro que un evento artístico donde los tatuadores pintan una silueta humana y diseñan un estilo sobre ella, dependiendo del estilo los tatuadores eligen un equipo, entre mas semejante sea el estilo mejor, y producen cosas como estas:

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Me hace pensar que una forma expresiva hace parte de un conjunto de mentes, así como una película esta guiada por un sujeto pero realizada por un conjunto de manos, e ideas. Siento la necesidad de establecer un vinculo estético con la persona que valla a tatuar, no restringiendome sino alimentándome. Aquella nutrición cerebral que esta compuesta visiones presentes de una realidad alterna a la mía. Creo que he caído en ese ego superficial de creer ser un genio, aquel que se estanca y no promueve un movimiento, vital para encontrar este grafismo que explique elementalmente el proceso de investigación . 

Día 12.

Durante los últimos días, he realizado una serie de tatuajes los cuales puedo clasificar como ajenos a mis ideales pero por condiciones económicas y debido a una necesidad monetaria realizo, no había querido comentar acerca de ellos por que me parecían ajenos a la investigación. Pero que de una u otra manera alimentan un poco la labor practica del tatuaje, y la relación entre el tatuador “artista” y cliente; aquella relación de poder satisfacer si se quiere tanto al sujeto pero principalmente al artista,  cumpliendo los elementos de composición, aplicación, y técnica. Aquellos tatuajes diminutos que las chicas se quieren hacer, y de pronto una expansión o corrección de un tatuaje anterior, casi siempre de menos calidad, significado y forma. 

Estos tatuajes de una u otra manera sirven para desarrollar una técnica pero alimentan muy poco el estado de percepción de imagen entre el rito, la identidad y cultura.

Día 13.

Me preparo para hacer el tatuaje creo que ya tengo el diseño pero aun me falta cumplir algunos detalles, este reto de hacer un simple dibujo que cumpla la satisfacción que tengo sobre los tres elementos estudiados, sobre mi vivir diario, y los roles que marcan un tatuaje dentro de una sociedad. Aquellos que son inútiles pero que comienzan a dar un precedente de la cultura contemporánea con tendencia al aumento de esta practica, y la validación de esté en el arte y la idea de un “buen arte”…

 

 

Anónima Perversión

Las diferentes formas en que se construye el concepto de lo erótico, las diversas formas del porno y las representaciones eróticas en japón han llegado a ser tan grandes, que hay un sin fin de clasificaciones y tipologías pornográficas en las perversiones practicadas por el ser humano. En japón ya es vieja esta tradición de representaciones “obscenas”  y las construcciones sociales del sexo, y las carnalidades conformadas por filias. En la actualidad podemos observar que la pornografía japonesa no es la misma a la occidental, que en cierto modo tiene diversas manejos de planos, de composiciones para representar esta mujer delicada, casi niña que se “desflora” y se pervierte, de monstruos con bigotes y tentáculos violando un cuerpo; siendo brutal y sanguinario, las diferentes ataduras y el arte Shibari de la atadura y la soga, animales mitificados haciendo parte de escenas sexuales en las que recae un aforismo o superstición, las diferentes vestimentas para evidenciar el cuerpo femenino y masculino como ejes del un poder sexual reciproco, la evolución del manga y la animación dentro de un campo expandido del erotismo y los diferentes imaginarios que estos evocan y los cuales construyen realidades totalmente virtuales del placer. Para ser mas preciso, las visiones orientales de lo prohibido explotan diferentes ámbitos sociales, teológicos, y políticos llevando a una exploración de los limites humanos para la satisfacción sexual y de placer, algo aceptado pero tapado por una capa de humo social.

Nobuyoshi Araki, serie: Hana Kinbaku

Debemos empezar desde las expresiones gráficas del sexo en Japón; El ukiyo-e, herramienta de grabado vital para entender la perspectiva de lo erótico en los diferentes ámbitos sociales, y entender que cada región del territorio japones esta inundada por diferentes iconos, los cuales representan deidades o imaginarios dentro de la mente oriental, asi como una identidad en las diferentes practicas culturales. El arte Shunga, un genero de producción visual evoca al sexo como eje principal, integrando las diferentes composiciones en la xilografía, y la estampa japonesa. Significa “imágenes de primavera”, siendo “primavera” una metáfora  común para el acto sexual. Esta expresión va mas allá de lo pornográfico, pues explora de una manera social la inclusión del erotismo dentro de los diferentes campos críticos y satíricos de la época, así como la reflexión del acto sexual en lo corporal, que se ejemplifica en las diferentes funciones sociales, como la guerra, el matrimonio, o la obtención de suerte dentro de un espacio. La mayoría de estas composiciones y publicaciones eran anónimas, dada la prohibición en la era meji. Aun asi estas estampas lograron cruzar fronteras, y repercutir en la composición de la figura femenina como un tema principal en las pinturas europeas del siglo XX, diferentes fueron los artistas que se influenciaron en este tipo de impresiones: Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin, Vincent Van Gogh y Pablo Picasso.

Shunga, Anónimo, 1880
El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女 Tako to ama?, Los pulpos y el ama), de Katsushika Hokusai.

Creo que las impresiones Shunga permitieron dar el primer paso para la exploración y el uso de formas y personajes dentro del acto sexual así como la concepción del acto sexual no solo como el acto de penetrar sino también una serie de metáforas, entendiendo la penetración como algo mas poético, y llevando las el sinsentido del acto sexual en diferentes etapas de los placeres humanos, aquellos que son difíciles de comprender y esos que nunca se van a aceptar. Estas impresiones siendo un arte oculto y muy secreto pero apreciado por la simple carnalidad, ademas de sus representaciones en un imaginario gráfico dan un paralelo en las diferentes circunstancias sociales que transforman  y dan principio a estos tabúes sociales, de la aceptación y negación dentro de lo sexual.

Aquella censura nos lleva al Shibari (kinbaku), o “arte sagrado de la atadura”; las diferentes formas de costura y de tejidos en los cuales la cultura japonesa ha tenido una maestría, el placer y entender poéticamente  que la manufactura y el detalle dentro elaborado por un  artesano es vital para la conjunción de objetos diseñados para la apreciación y una estética elaborada desde la perfección permite entender la atadura como una experiencia en la cual hay diferentes elementos que le dan valor en la percepción oriental; la textura, (tacto), el tejido, y la composición  (color y forma). Estos parámetros y el entender los tejidos como un arte pueden conformar una idea del Shibari, dado que en este el cuerpo atado esta no solo atado sino “bellamente atado”, pues en él se configura una serie de elementos y tipos de ataduras que permiten un gusto y así mismo un placen entre el que ata, y el atado. en principio estas practica aunque culturalmente aceptadas eran censuradas social mente, y hasta la segunda mitad del siglo XX se aprecia en occidente y le da un valor estético dentro del campo fotográfico que registra con una mirada japonesa pero utilizando una herramienta occidental estos campos del erotismo y placer oriental. Este enlace con occidente permite la comercialización de las figuras eróticas volviéndolas porno, estas que ya se comercializaban secretamente un siglo antes, ahora se masifican ejecutando una percepción transformada y desvinculándola del la cultura y su belleza artesanal, circulando como un imaginario de perversión  y ficciones contenidas dentro de la mente humana sin importar su territorio, lo que una cultura sexual llegara a edificarse entorno al porno.

Una hegemonía entorno al genero, uno dominante (masculino), y el otro sumiso (femenino), esta Hegemonía es bien marcada, pero hay que resaltar que la exploración de placeres y la aceptación de diferentes maneras en las cuales los géneros atraviesan un viaje por las diferentes maneras de comprender, sintiendo el alejamiento de esta hegemonía y poniendo ambas partes de los géneros como un equilibrio en el cual no importa si este es masculino o femenino, sino la importancia entre quien es dominante y sumiso, el “baile” entre ellos dos intermediado por la censura y el acto de placer por romper reglas sociales.

¿Por qué resulta erótico inmovilizar o restringir el movimiento? Para la persona atada, el efecto es en parte físico: la presión de las cuerdas sobre puntos sensibles y zonas erógenas, el roce que puede ser suave o áspero según el tipo de cuerda…  En una suspensión entra en juego la ingrávida sensación de volar y perder los referentes; en una atadura sobre tatami o una cama, el sentirse manejada, empujada, acariciada por las cuerdas. Los efectos psicológicos son potentísimos y a veces contradictorios: el chorro de adrenalina al sentirse indefenso y a la merced del atador, frente a la relajación y confianza de saberse en buenas manos y poder librarse de toda responsabilidad y vergüenza (“no puedo resistirme al placer que se me proporciona”). Como sostiene el propio Araki, atar fue
rtemente es abrazar… Las cuerdas se convierten en una extensión de los dedos del atador.

“Shibari: el arte japones de la atadura erótica”, por Joseph Lapidario

Producción fotográfica: Luciana Serrano, festival de arte erótico “Domingas Prrrn”

http://www.jotdown.es/2011/10/araki-amor-y-muerte/

http://www.jotdown.es/2011/10/shibari-el-arte-japones-de-la-atadura-erotica/

http://www.revistaanfibia.com/ensayo/cincuenta-sombras-del-postporno/